Obra

O livro surge num momento particularmente significativo: o fim do ciclo colonial português em Moçambique, a instabilidade política que antecede a independência e a iminência de uma deslocação biográfica e literária que marcaria profundamente o percurso do autor. Embora ainda inaugural, Sílaba a Sílaba não é um livro hesitante. Pelo contrário: nele se reconhecem já algumas das marcas que viriam a distinguir a poesia de Eduardo Pitta — a secura expressiva, o recorte imagético, a contenção emocional, a tensão entre lucidez e ferida, e uma forma de erotismo sem disfarce, assumido como matéria central da experiência poética.

O próprio título funciona como programa. A realidade é apreendida fragmento a fragmento, palavra a palavra, sílaba a sílaba. Não há aqui abundância ornamental nem facilidade lírica. A linguagem avança por cortes, imagens breves, respirações interrompidas, como se o poema nascesse de uma tensão entre o impulso de dizer e a necessidade de depurar.

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Publicado pela Arcádia em 1979, na colecção Licorne, Um Cão de Angústia Progride prolonga alguns poemas de Sílaba a Sílaba e afirma uma voz de grande tensão interior, onde o desejo, a solidão, a lucidez e a sombra se organizam numa escrita depurada e exigente.

Sob o signo de Herberto Helder, Rui Knopfli e Sophia de Mello Breyner Andresen, a obra apresenta-se como uma meditação intensa sobre a vulnerabilidade da voz poética e a integridade da palavra perante o silêncio.

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A obra move-se entre cidades, viagens, ruínas, desejo e desencanto. A “desordem” do título não é apenas exterior: é também íntima, feita de palavras gastas, corpos atravessados pelo tempo, casas erguidas sobre areia, amores perdidos e uma memória que procura recompor aquilo que já nasceu fragmentado. Há no livro uma dicção contida, por vezes seca, onde cada verso parece guardar uma ferida e uma lucidez.

Entre a claridade e a penumbra, entre a viagem mediterrânica e a cidade degradada, Eduardo Pitta escreve uma poesia de sobrevivência: sabe que a linguagem falha, mas é nela que ainda se tenta salvar algum vestígio de sentido. A Linguagem da Desordem é, assim, um livro sobre a aprendizagem amarga do mundo, sobre a precariedade dos afectos e sobre a difícil beleza de nomear o caos.

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A obra percorre a memória, a perda, o desejo e os restos de uma adolescência marcada por paisagens de mar, dunas, casas, quartos e silêncios. O título sugere um olhar depois do fogo: olhos que viram demasiado e que agora fixam apenas vestígios.

É uma poesia seca, intensa e elegíaca, onde a memória não consola — apenas ilumina, por instantes, aquilo que já ardeu.

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Entre imagens de cidades, águas, espelhos, solidão traficada, sombras clandestinas e geografias míticas — Trieste, Samarcanda, a praça do Duque da Terceira —, a escrita avança como um clarão frio, onde o desejo resiste ao cerco e transforma a perda numa matéria incandescente.

Publicado em edição limitada de 350 exemplares, em Janeiro de 1988, Archote Glaciar afirma uma voz depurada, elíptica e cortante, onde cada poema parece suspenso entre a combustão íntima e a disciplina glacial da linguagem.

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A escrita move-se entre a cidade, o corpo, a casa, a infância, a noite e a ruína, fazendo do poema um lugar de resistência contra o esquecimento e contra a facilidade sentimental. Há uma tensão permanente entre claridade e obscurecimento, desejo e desapego, pertença e exílio. O título, Arbítrio, sugere precisamente essa zona instável onde a vontade, a escolha e o destino se confundem.

Livro de linguagem depurada e imagética densa, Arbítrio confirma uma voz poética que prefere a precisão ao excesso, a ferida à explicação, e transforma a experiência interior numa matéria de rigor, silêncio e fulguração.

Notas sobre edições, reedições ou traduções

Com pequenas alterações de pormenor, os poemas de Olhos Calcinados editaram-se pela primeira vez em 1984 e os de Archote Glaciar em 1988, transitando para Mandrágora um poema de início não incluído nessa sequência, a qual integrou, em 1987, o volume colectivo Amor, Luxúria & Morte.

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A poesia aqui reunida é marcada por uma tensão constante entre desejo, perda, observação e ferida. Eduardo Pitta trabalha uma linguagem seca, incisiva, por vezes aforística, onde a emoção raramente se expande em confissão directa: antes se fixa em imagens de desgaste, claridade ácida, água, fogo, gelo, paisagem e ruína. A sua voz constrói-se no atrito entre contenção formal e intensidade existencial, fazendo da desordem não apenas tema, mas método de conhecimento.

Com prefácio de Eugénio Lisboa, Marcas de Água apresenta-se como balanço e condensação de uma obra já reconhecível: uma poesia de temperatura alta, avessa ao sentimentalismo fácil, onde cada poema parece deixar no leitor uma marca discreta, mas persistente — como uma queimadura, uma cicatriz ou uma linha de água que não se apaga.

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A antologia percorre livros como Sílaba a Sílaba, Um Cão de Angústia Progride, A Linguagem da Desordem, Olhos Calcinados, Archote Glaciar e Arbítrio, mostrando uma voz que se constrói entre a ferida íntima e a observação rigorosa do mundo.

Nestes poemas, a palavra surge depurada, muitas vezes seca e cortante, como se cada verso procurasse nomear o que resta depois da experiência: a cidade, o corpo, a ausência, a memória, o amor e a sua ruína. A poesia de Eduardo Pitta afirma-se aqui como uma escrita de resistência e de despojamento, onde o lirismo nunca se abandona ao sentimentalismo, preferindo a precisão, a sombra e uma espécie de elegância ferida.

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Dos poemas mais antigos aos textos dos anos noventa, desenha-se uma voz marcada pela consciência do exílio — geográfico, afectivo, sexual e simbólico. A paisagem é ocupada e desocupada, a memória fere, o tempo regressa como perda, e o corpo surge como lugar de linguagem, desejo e vulnerabilidade.

A antologia mostra também a força cultural e literária da escrita de Pitta: referências clássicas, cidades, mitologias pessoais e uma atenção constante ao que permanece à margem, ao que resiste, ao que não se deixa domesticar. Mais do que uma simples recolha ocasional para uma leitura pública em Cáceres, este pequeno livro confirma Eduardo Pitta como poeta de uma lucidez cortante: uma poesia de contenção verbal, intensidade sensorial e permanente interrogação identitária. Uma antologia mínima, mas suficiente para mostrar a coerência de uma obra onde a beleza nunca aparece separada da ferida.

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O documento sublinha ainda que “su experiencia como poeta se liga estrechamente a la publicación de sus primeros textos en revistas”, lembrando a importância desses espaços de circulação e descoberta da poesia. À luz dessa leitura, estes poemas afirmam-se como exercício de depuração, memória e lucidez: uma escrita que recusa a facilidade sentimental e preserva, com discrição e exigência, a presença resistente da voz poética.

Referência: Iolanda Ogando, La Voz en Espiral. La Difusión de la Poesía en España y Portugal, dirs. Miguel Ángel Lama e Fernando Pinto do Amaral, 2009.

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Ao longo de três décadas, a poesia de Eduardo Pitta destaca-se pela contenção, lucidez e uma emoção depurada, abordando temas como o amor, o corpo, a perda, o desejo, a memória e o desamparo sem excesso confessional.

O título, formulado como uma pergunta, capta a tensão central da obra: a possibilidade de uma mudança súbita em tudo, e de a poesia ser o espaço onde essa vertigem se manifesta.

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Do primeiro livro, Sílaba a Sílaba, aos ciclos posteriores, a obra atravessa territórios de memória, desejo, perda, viagem, exílio, corpo e linguagem, sempre sob o signo de uma tensão entre intimidade e mundo. Com prefácio de Nuno Júdice, que lê esta poesia como uma “poética desobediente”, o volume evidencia a coerência de um percurso onde a desordem, a ferida, a cidade, a solidão e o olhar crítico sobre a experiência se transformam em matéria verbal rigorosa.

A seleção inclui ainda dois poemas em prosa e uma secção de crítica escolhida, oferecendo ao leitor uma visão ampla da receção e da singularidade da poesia de Eduardo Pitta.

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Em “Marilyn”, Afonso é confrontado, ainda adolescente, com a vigilância moral da escola e com a tentativa de normalização da masculinidade. Em “Kalahari”, o espaço desloca-se para a África do Sul: a viagem, o deserto e o encontro com Ralph abrem uma zona de liberdade relativa, mas essa liberdade existe dentro de um mundo ferozmente dividido pelo apartheid. Em “Pesadelo”, o livro entra no espaço da guerra e do exército: a guerra colonial, a masculinidade militar, os abusos de poder e a sexualidade clandestina compõem o lado nocturno do império.

A força de Persona está nessa dupla leitura: é uma narrativa de iniciação homoerótica, mas também uma anatomia do colonialismo português nos seus últimos anos. O desejo não aparece como ornamento escandaloso — aparece como revelador, mostrando o que as instituições escondem: a hipocrisia da moral dominante, a fragilidade da virilidade oficial, o medo da diferença e o colapso de uma ordem social que se julgava eterna.

Nota: Persona, 1.ª ed., Angelus Novus, Braga, 2000; 2.ª ed., Quidnovi, Lisboa, 2007; 3.ª ed., D. Quixote, Lisboa, 2019.

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Nora, mãe de Martim, viúva, culta e contida, observa o filho entre o desconforto, o amor e a disciplina das conveniências. À volta de Martim e Rupert gravitam outras figuras decisivas: o avô diplomata Nuno Lemos Fortunato, a família Ravara, Vasco, Tó, Guida, Ivânia e várias personagens vindas de Moçambique, da diplomacia, da alta burguesia, da empresa e da memória colonial. Cada uma traz consigo uma zona interditada: amores antigos, preconceitos de classe, racismo recalcado, homofobia, fracassos familiares, carreiras comprometidas, vidas duplas.

A “cidade proibida” do título é, assim, menos um lugar físico do que um território moral: o espaço fechado onde se entra por privilégio, mas onde ninguém está verdadeiramente livre. O romance avança por círculos, digressões e revelações sucessivas. A relação entre Martim e Rupert vai-se deteriorando, enquanto regressam fantasmas antigos: Tó, o primeiro amor de Martim; o passado obscuro do pai de Rupert; as memórias de Moçambique; e o segredo amoroso do próprio avô de Martim, que abre uma espécie de espelho entre gerações.

No final, mais do que resolver a intriga, Eduardo Pitta deixa à vista a sua ferida principal: a impossibilidade de separar desejo, família, história e poder. Cidade Proibida é, por isso, um romance de grande acidez social e forte inteligência narrativa. Não é apenas uma história de amor homossexual, nem apenas uma crónica da burguesia portuguesa: é uma anatomia da hipocrisia, da herança colonial, da solidão afectiva e daquilo que as famílias calam para poderem continuar a reconhecer-se como famílias.

Nota: Cidade Proibida, 1.ª e 2.ª edições, Quidnovi, Lisboa, 2007; 3.ª edição, Planeta, Lisboa, 2013; 4.ª edição, Quidnovi / Biblioteca de Verão, Lisboa, 2013.

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Em “João Pedro”, a infância aparece como território de cálculo, medo e sobrevivência. “Ofélia” mergulha numa genealogia familiar onde aristocracia decadente, memória política, desejo, segredo e violência se cruzam. Em “Gilberta”, a morte do marido desencadeia uma revisitação amarga da vida: Moçambique, o 7 de Setembro de 1974, a fuga, Johannesburg, o regresso a Portugal e a ruptura com o filho por causa da sua homossexualidade.

“Inês” desloca a devastação para uma burguesia cosmopolita atravessada por dinheiro, drogas, adultério e falência moral. O último conto, “Zé Maria”, aproxima a devastação da pandemia: um professor universitário descobre um aneurisma cerebral enquanto a mulher fica retida em Chicago no início da crise da covid-19.

No conjunto, Devastação é um livro sobre aquilo que fica depois do acontecimento traumático: a vergonha, o ressentimento, a violência herdada, o segredo familiar, o preconceito, o desejo maldito, a perda de estatuto, a doença e a morte.

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A obra organiza-se em duas partes: a primeira reúne os textos da coluna O Som & o Sentido, dedicados à leitura de livros de poesia publicados ao longo de vários anos; a segunda, Poetas: memória & cânone, acrescenta evocações e ensaios de maior alcance, entre eles textos sobre Al Berto, Rui Knopfli, os reflexos do 25 de Abril na poesia portuguesa e o balanço poético dos anos 90.

Mais do que uma simples colectânea de recensões, Comenda de Fogo é um livro de intervenção crítica. Eduardo Pitta lê a poesia como território de influência, confronto, memória e escolha, recusando a neutralidade acomodada e assumindo uma crítica atenta à qualidade literária, à genealogia dos autores e ao modo como certas obras se impõem — ou são injustamente marginalizadas — no espaço público.

Ao longo do volume, surgem leituras de muitos dos nomes centrais da poesia portuguesa contemporânea, entre eles João Miguel Fernandes Jorge, José Agostinho Baptista, Manuel António Pina, Nuno Júdice, Vasco Graça Moura, Al Berto, Gastão Cruz, Luís Filipe Castro Mendes, António Franco Alexandre, Joaquim Manuel Magalhães, Fernando Guerreiro e Fátima Maldonado, entre outros.

Publicado em 2002 pela Temas & Debates, e com edição também do Círculo de Leitores, Comenda de Fogo afirma-se como uma obra essencial para compreender como se discutiu, legitimou, contestou e organizou a poesia portuguesa no final do século XX.

Nota: Comenda de Fogo, 1.ª edição, Temas & Debates, Lisboa, 2002; 2.ª edição, Círculo de Leitores, Lisboa, 2007.

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O ensaio defende que a categoria “gay”, tal como se consolidou no espaço anglo-americano depois de Stonewall, dificilmente se aplica sem reservas ao caso português. Em Portugal, a homossexualidade literária aparece antes como fractura: zona de silêncio, máscara, desvio, disfarce, excesso ou clandestinidade.

A partir dessa tese, Eduardo Pitta percorre autores e obras que permitem construir uma genealogia da representação homossexual: Mário de Sá-Carneiro, Vitorino Nemésio, Jorge de Sena, Eugénio de Andrade, Mário Cesariny, Al Berto, António Franco Alexandre, Guilherme de Melo, Álamo Oliveira, Frederico Lourenço, entre outros.

Um dos aspectos mais fortes de Fractura é a atenção ao modo como a literatura portuguesa, durante décadas, preferiu ocultar, neutralizar ou estetizar a homossexualidade. O livro é também uma reflexão sobre recepção crítica: Pitta mostra como muitas obras foram lidas durante anos sem que se enfrentasse aquilo que nelas era evidente — a presença do desejo entre homens, a instabilidade dos papéis sexuais, a violência do armário, a censura moral e a resistência do corpo à norma.

No final, Fractura afirma-se como uma obra pioneira no contexto português dos estudos literários sobre homossexualidade: um ensaio incisivo, erudito e polémico, que relê a literatura contemporânea portuguesa a partir das zonas onde o desejo, a identidade e a linguagem entram em conflito.

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Mais do que uma simples reunião de recensões, Metal Fundente é uma cartografia da literatura como lugar de sobressalto. Eduardo Pitta lê estes autores a partir de uma ideia de desobediência normativa: a ruptura do corpo, a inquietação religiosa, a dissidência política, a experiência homossexual, o conflito com o cânone, a biografia como ferida e a palavra como matéria instável.

O título, tomado de Mário Cesariny — “Entre nós e as palavras há metal fundente” — funciona como chave simbólica: a literatura é aqui matéria incandescente, em transformação contínua, capaz de queimar, iluminar e deformar o mundo.

Da transgressão de Al Berto à energia visionária de Blake, da modernidade de Borges ao combate íntimo de Auden, da marginalidade de Burroughs à autoridade poética de Ruy Belo, Metal Fundente constrói uma galeria de autores atravessados por excesso, lucidez e inconformismo.

É um livro sobre escritores, mas também sobre a própria literatura enquanto forma de resistência: ontem como hoje, entre o século XV e o século XX, as palavras continuam a arder.

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Eduardo Pitta escreve sobre literatura, crítica, jornais, blogues, Lisboa, costumes urbanos, política nacional, identidade gay, estudos queer, casamento entre pessoas do mesmo sexo, justiça, liberdades públicas, cultura mediática e pequenas misérias da vida portuguesa. A variedade dos temas não dispersa o livro; pelo contrário, dá-lhe a unidade de uma voz: informada, mordaz, culta, impaciente com a iliteracia e pouco disponível para consensos confortáveis.

A epígrafe de Montaigne — a liberdade de dizer o próprio parecer, não como medida absoluta das coisas, mas como medida do olhar de quem escreve — funciona como chave de leitura. Intriga em Família é precisamente isso: um livro de opinião assumida, onde o autor observa o país, a literatura e a esfera pública com ironia, memória e sentido crítico.

O livro fixa também um momento decisivo da passagem da crítica literária para o espaço digital: o blogue surge aqui não como escrita menor, mas como lugar de intervenção rápida, vigilante e incisiva. Pitta transforma a entrada breve em forma literária, comentando livros, autores, polémicas, eleições, jornais, livrarias, cânones e preconceitos com o mesmo grau de exigência estilística.

Intriga em Família é, assim, um livro de combate civil e literário: um retrato ácido, por vezes divertido, por vezes severo, de um país onde a respeitabilidade muitas vezes serve de máscara à mediocridade.

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Mas Pompas Fúnebres não é apenas uma colectânea dispersa de textos de circunstância. O livro organiza-se como um retrato ácido de Portugal no tempo da crise, visto por um cronista que cruza memória pessoal, cultura literária, ironia social e observação política.

Eduardo Pitta escreve contra a respeitabilidade fácil, contra os consensos de salão e contra a mediocridade travestida de bom gosto. A sua prosa é rápida, culta, sarcástica, muitas vezes ferina, mas nunca gratuita: por detrás da mordacidade há sempre uma ideia de literatura como instrumento de lucidez.

O título funciona como uma ironia amarga: as “pompas fúnebres” são as cerimónias de despedida de um país que insiste em vestir-se de solenidade mesmo quando tudo à sua volta denuncia decadência. Entre o sarcasmo e a elegia, Pitta expõe uma sociedade feita de máscaras, famílias, lugares de classe, pequenas vaidades, exclusões, fantasmas coloniais e ilusões culturais.

Pompas Fúnebres é, assim, um livro de crónicas com respiração ensaística e nervo narrativo — um dos retratos mais mordazes do Portugal contemporâneo.

Nota: Capa de Love St. Studio.

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A relação entre Amaro e Amélia cresce num ambiente de intrigas, devoções aparentes e interesses escondidos. João Eduardo, noivo de Amélia, percebe o fascínio que o padre exerce sobre ela e tenta denunciá-lo num artigo contra o clero local. Mas a cidade, dominada por cumplicidades e conveniências, volta-se contra ele. Desacreditado, perde o emprego, a noiva e o lugar social que ocupava.

Livre do noivado, Amélia entrega-se cada vez mais a Amaro. Os encontros tornam-se clandestinos e acabam por conduzir a uma gravidez que todos procuram esconder. O desfecho é trágico: Amélia morre após o parto, e a criança também não sobrevive. Padre Amaro, abalado mas protegido pelas mesmas redes de influência, é transferido para longe.

A obra, mesmo adaptada para leitores jovens, conserva a força crítica de Eça de Queiroz: denuncia a hipocrisia religiosa, o poder social do clero, a fragilidade das mulheres perante uma moral repressiva e a facilidade com que a sociedade castiga os mais fracos enquanto protege os culpados.

Nota: adaptação de Eduardo Pitta, com ilustrações de Carla Nazareth. 1.ª edição, Quasi / Sol Millennium, Lisboa, 2008; 2.ª edição, Glaciar, edição exclusiva Pingo Doce.

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Dedicado ao Jorge, “que comigo amou a laguna”, o livro acompanha alguns dias de circulação por Veneza: São Marcos, Dorsoduro, Rialto, Lido, Palazzo Ducale, Accademia, Peggy Guggenheim, Murano, Burano e Torcello, os cafés históricos, os restaurantes, as igrejas, os palazzi, os canais e a luz sempre variável da laguna.

Mas cada deslocação é também uma forma de leitura cultural: Veneza aparece atravessada por Brodsky, Thomas Mann, Visconti, Henry James, Vivaldi, Turner, Casanova, Sophia, Browning, Peggy Guggenheim, Tiepolo, Tintoretto, Ticiano e tantos outros fantasmas da arte e da literatura.

A escrita de Eduardo Pitta combina precisão diarística, ironia social e uma atenção visual quase cinematográfica. O autor regista a beleza da cidade, mas também a sua saturação turística, o comércio da memória, o ridículo de certas poses, a violência escondida sob o postal ilustrado e a melancolia de uma cidade transformada em cenário.

O livro ganha especial intensidade pela presença discreta de Jorge, companheiro de viagem e destinatário íntimo da dedicatória. Entre diário, crónica de viagem e ensaio impressionista, Os Dias de Veneza fixa uma Veneza simultaneamente real e literária. Não a cidade banal dos guias, mas uma cidade filtrada por cultura, desejo, memória e desencanto.

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Entre esses dois marcos, desenha-se o percurso de um homem que atravessa a descolonização, o PREC, a adaptação a Portugal, a vida literária, as amizades, as viagens, os amores, as perdas e as transformações culturais das últimas décadas do século XX.

O livro não é uma autobiografia intimista no sentido convencional. É antes uma obra de memorialismo voltada para fora: para os lugares, as pessoas, os livros, os acontecimentos políticos, os ambientes sociais e literários. Eduardo Pitta parte da experiência pessoal, mas usa-a como lugar de observação de um tempo colectivo — Moçambique, Lisboa, Cascais, Londres, Grécia, Brasil, Madrid, Nova Iorque, Paris e outros lugares aparecem como estações de uma geografia afectiva e cultural, onde a memória privada se cruza com a História.

O primeiro movimento do livro é marcado pela saída de Moçambique: a independência, a violência, o fim de uma cidade e de um modo de vida, a desagregação das redes afectivas e sociais, e a chegada a um Portugal em convulsão política. A partir daí, Um Rapaz a Arder acompanha a construção de uma vida em Portugal: o meio literário, as coteries, os cafés, os livros, os jornais, a crítica, os amigos, os rituais sociais, a cultura gay, os anos do cavaquismo, a movida lisboeta e as viagens.

A memória de Eduardo Pitta é minuciosa, mordaz e visual: fixa marcas, roupas, gestos, restaurantes, hotéis, conversas, nomes e atmosferas, transformando o detalhe em sinal de época. Um Rapaz a Arder é, assim, um livro sobre exílio, pertença, literatura, desejo e sobrevivência: um memorial de passagem entre mundos, de Moçambique para Portugal, da juventude para a maturidade, da intimidade para a esfera pública, do século XX para o século XXI.

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Em Os Dias de Veneza, a cidade surge como território de luz, água, música, memória e ruína. A laguna, São Marcos, o Harry’s Bar, o Florian, o Palazzo Ducale, o Lido, a Accademia, Murano, Burano e Torcello são atravessados por uma escrita simultaneamente sensorial e crítica. Veneza é esplendor, mas também excesso turístico, comércio da memória, cansaço, encenação e melancolia.

Nos textos romanos — Outono Romano e Verão Romano —, o olhar desloca-se para uma cidade mais carnal, ruidosa e teatral. Roma aparece como museu a céu aberto, mas também como lugar de trânsito, restaurantes, hotéis, praças, igrejas, cafés, beleza física e códigos sociais.

A prosa de Eduardo Pitta combina erudição, ironia, atenção gastronómica, memória literária e sentido de classe. As referências a Brodsky, Thomas Mann, Visconti, Casanova, Vivaldi, Turner, Bernini, Fellini, Pasolini, Rafael, Caravaggio ou Miguel Ângelo não surgem como ornamento, mas como parte natural de uma experiência culta do mundo.

Cadernos Italianos é, assim, um diário de viagem sofisticado, mordaz e profundamente pessoal. A Itália de Eduardo Pitta não é a Itália dos roteiros obedientes, mas a de quem percorre Veneza e Roma com gosto, memória, irritação, desejo, cultura e liberdade.

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